前些日子，有幸去了趟成都，去了博物馆，正好遇到法国巴黎拿了近代世界名画作来展览，大多是原作。

入厅后，从早期一些的油画开始，显然看到了艺术家们的绘画越来越精细，技法也在不断改进，各种创新的技法，色彩搭配的尝试等等。

然后就出事了。

最初的画作还能看得懂，毕竟都是景物，人物什么的，看写实如何，想象力如何，渲染气氛如何，虽确实不懂，但多少还能感受下。

到印象派画作也还能理解，近视眼中的美丽世界；

到了立体主义时还能理解，错乱了时空；

到抽象派画作虽不能理解，但还有貌似很厉害的感觉，看着很爽；

到了超现实主义也还可以，虽然不磕药，但咱修炼的人啥没见过；

至于达达主义，看到介绍知道，反正就是啥都没意义，专门反有意义就好了，咱们尝试理解一下呗。

然而看到了著名杜尚的作品《泉》，一个竖着放的马桶，并且这个马桶还不是杜尚自己做的，而是跑商店里买的。

贫道觉得......

皮埃尔.苏拉热作品的《无题》，1979年6月19日画作，在一块大板子上，用黑色的油漆刷了几笔，其价值仅次莫莲的《睡莲》，关键是这位艺术家还活着，成了世上活着作品最昂贵的艺术家。

驻足反复看了下，作品不同视角观看，光泽肌理是有变化，然而它为什么可以成为一幅艺术作品？

即便它是一件艺术品，它又为什么那么值钱，难道愿意花那么大价钱的购买这件艺术品的人，智商已经高到让我等凡夫俗子望尘莫及？

于是认真百度了一下，网上很多关于皮埃尔.苏拉热艺术作品的诠释，然后惊奇地发现，基本上大多数文章出自小报记者，都在不懂装懂的扯犊子。

什么这代表黑暗之美，美在哪里了？还有这样的画作其实很费功夫，因为用了不同型号的刷子，或者金属或木制的一些工具云云，所以它就很值钱。

贫道决定还是自己认真检阅西方绘画艺术史的资料，决心搞明白这些家伙是在搞什么鬼。

然后，开始有了自己的一些看法，在真正艺术家眼里可能理解是很肤浅的，但这也算是另外一种角度。

西方绘画艺术的发展，实际上与时代背景是息息相关的。

摄影技术虽然出现较晚，要到1838年达盖尔的时候了，但实际上，在17世纪初的时候，已经出现了利用凸透镜将光线投影到暗箱里，然后进行临摹的办法，即使不会绘画的人，也能照着样子临摹出不太差的作品出来。

当时的卖暗箱的商人们宣称，只要利用它，就能够媲美学了多年绘画的人，事实上也确实如此。

这对于绘画最初的目标：“画得更逼真”，可以说是一次不小的冲击。

一个多年绘画的艺术家与没有系统学习过绘画的人，在技法上会有极大的区别，所以既然要体现出多年的艺术家的技法，绘画方向于是便往复杂性上发展。

这当然是一种赤祼祼的炫技行为。

17世纪，是巴洛克艺术的兴盛时期，源自意大利的罗马，以后遍及欧洲各地。

巴洛克艺术的特点是装饰极其华丽，讲究激情、运动感和戏剧性，并且追求光线和色彩的表现，广泛采用曲线、弧线，偏爱复杂多变的结构。

这些技法的特点集中来说就是：“复杂”，正因为复杂，它能区别出专业与非专业，并且能很好展示画家的画工，并且也是让艺术家想象力是一种极好地展现与表达的方式。

如果说文艺复兴时期的艺术通常是严肃、含蓄和均衡的，那么巴洛克艺术崇尚豪华和气派，注重强烈情感的表现，气氛热烈紧张。

17世纪，欧洲不少强国，海外殖民地累聚巨富，有钱了，于是就追求生活上提倡豪华享受，这也给巴洛克艺术创建了条件。

因为完成一幅巴洛克绘画作品，专业的画家耗时也是很久的，这必然需要更高的费用来支持，所以巴洛克作品，简单来说就是“复杂而昂贵”。

同样的这些艺术形式，也相应反映在同时期的雕塑上，巴洛克艺术是令人印象深刻的，其中最深刻的是恰好值逢文艺复兴之后，追求精神解放的时代。

大量的人体绘画也在这段时间中出现，人体绘画是非常高难的技术活，不同的光影下是千差万别的，所以很多艺术家痴迷于人体绘画。

鲁本斯是在巴洛克艺术兴起时，最负盛名的画家之一。

鲁本斯的《阿玛戎之战》

阿玛戎是希腊神话传说中的一个女人部落名称，这个后来也译为亚马逊，阿玛戎的原义是指“杀男人者”，后来这成为了艺术作品中，对女战士部族的习惯性命名。

如果玩过游戏《暗黑破坏神》系列的，会对于亚马逊女战士有较深刻的印象。

同样，这两年DC被改编成影视的漫画作品《神奇女侠》，其中的女侠同样被设定为来自亚马逊女战士，取材的源头同样是古希腊神话。

这幅画渲染出来了浓烈的战争气氛，它所体现的是在打仗进入状态后，热血的战士们在战场上的感受，这种共鸣的表达，深得参加过战争的贵族们的喜爱。

之所以能产生这种效果，如果把人物都抽象掉成为相近的色块，那么便能发现它们整体上像熊熊燃烧的火焰，而人物的动物，马的回头角度，其实都符合火焰给人带来的感受，然后浓浓的色彩显著的明暗对比，以表现其豪华感，是巴洛克风格的特点，使得这幅画显得很震憾。

要欣赏这些作品，最好有一个足够大的显示器，然后看最高清的照片，这样才能体会它们在细节上处理的微妙，像这幅图的原作便是120.3cm*165.3cm，如果很小的屏幕，比如手机上观看，很多细节便会丢失。

鲁本斯的《强劫留西帕斯的女儿》

这幅《强劫留西帕斯的女儿》，内容取材于希腊神话，描绘的是众神之王宙斯与丽达所生的孪生儿子卡斯托耳与波吕刻斯，趁着蒙蒙晨曦，正准备将迈锡尼王留西帕斯的两个孪生女儿抢劫走的瞬间。

如果看习惯了《斯巴达克斯》或《冰与火之歌》美剧的现代，对这幅作品是很难欣赏的，尤其在一些对此艺术品的描述里说：“两位温婉的少女”，与现代的审美用词有很大的差异。

现代影视作品，除了拍摄时已经有了成熟的光影理论指导外，还可以进行后期编辑调色以实现色彩协调，可以毫不夸张的说，现代影视所渲染出光影效果的画面，会比大多数早期艺术作品好得多。

在鲁本斯的时代是没有这些东西的，画家们只能依赖纯粹的双手来绘制出生动的图画。

所以，像这类幅带有人体的巴洛克作品，首先要明白，对光影的认识在当时属于高端范，16世纪从达芬奇开始研究自然光变化，到巴洛克绘画开始成熟，17世纪初的卡拉瓦乔手中开始大成。

所以16世纪的巴洛克绘画欣赏关键在于几点：

第一细节：各处细节都处理是否足够细致，即使是那些不起眼的位置。

第二难度：是否足够复杂以至于要高超的技艺才能绘制。

第三协调：色彩与画法的整体运用，是否渲染出了强烈的气氛。

第四耗时：其中是否需要艺术家长时间投入绘制。

第五隐喻：是否有浓重的宗教色彩或神学隐喻。

这五点适用于各类巴洛克艺术的欣赏，这些方面越是表达得强烈，画作艺术价值便越高。

所以说，巴洛克是属于16世纪新贵族的艺术。

随着文艺复兴新贵的兴起，新贵族往往不甘受限于天主教会的制约，所以这也促进了巴洛克中的祼体绘画。

在有关祼体的绘画，画作好不好，表达的精神是否够反传统（当然是指16世纪的传统）是综合衡量艺术价值的因素。

第一：是否画得足够真实，对肌肉的体现，皮的肤的光影等。

第二：是否有祼体女性。

需要说明的是，绘画女性祼体，在16世纪是一个非常重要的事情。

在文艺复兴初期，绘画祼露的女性身体很有限，基本上都需要与神学挂上关系，并且即使是知名画家，也不敢冒险公开画祼露的女性人体画。

因为宗教审查的存在，如果绘制出有违宗教题材的作品，一个画家的艺术品很有可能触犯禁忌，后果通常会比较严重，甚至有可能艺术生涯就此毁灭。

在文艺复兴时期，欧洲遍地开满了妓院，然而大多数画家，之所以不敢太直接画祼体的女性，并非是单纯地觉得伤风败俗，也并非什么传统习俗制约，而是因为当时有宗教审查，负责宗教审查的就是著名的宗教裁判所。

而绘制祼体的并出名的艺术家，有时候还会小幅度触犯某些底线也不被追究，主要就是米开朗基罗与提香，这两位都有一个共同点：跟教皇关系很好。

典型的就是，米开朗基罗从耶稣到圣母还有天堂众生，全画成祼体，也没有人有异议，但是维罗内塞画《最后的晚餐》题材时，因为多画了小丑在旁边当装饰，结果被请去喝茶了，然后不得不被强制改名为《利未家的晚餐》。

古希腊艺术里虽然有大量祼露的雕像，在文艺复兴时期，实际上绘画里，也就米开朗基罗最喜欢画古希腊题材的光身子男性（所以有传言米开朗基罗可能是同性恋）。

所以佛罗伦萨的波提切利画了《维纳斯的诞生》，虽然祼露身体，但是也用双手遮住身体。产生了突破的是威尼斯的乔尔乔内画的《沉睡的维纳斯》，身体是祼露比较大的，可以说是欧洲有史以来最大尺度的祼体画，但是乔尔乔内也并未完成该画便逝世了，最终是由他的师弟，大胆的提香·韦切利奥所完成。之后的提香也选用古希腊题材，并且喜欢绘制半祼或全祼的人物，但是大多数时候，绘制维纳斯时，不得不画上半透明的纱衣，最为祼露的其中最祼露的便是《乌尔比诺的维纳斯》，可以说与《沉睡的维纳斯》的演进版，然而《乌尔比诺的维纳斯》是被一名公爵作为新婚装饰品而私人订制，同样并非是公开作品。

并且大多数时候，这些涉及祼体的作品都是私下被贵族所订制，因为直到十八世纪才真正有成熟的艺术市场。

宗教裁判所可以说是让人闻风丧胆的存在，不过在文艺复兴时期，天主教会力量大大弱化，一言不合就可以人打成异端，维罗内塞幸运的是在1573年干的这事，在新教的冲击下，宗教审判所已经没有之前那么夸张，不然也是祸福难料。

新教路德宗，主要是源于神圣罗马帝国（德国）的马丁·路德金，他是16世纪欧洲宗教改革者，他建立的新教路德宗流派，被天主教视为异端。

被定为异端的最重要原因是，是因为天主教会忙着四处兜售赎罪劵，可以说是赚了不少。然而路德公开从神学意义上讨论并反对了赎罪劵的存在，后来还更公然批评教会，说罗马教会是“打着神圣教会与圣彼得的旗帜的、人间最大的巨贼和强盗”。

很自然的，教皇开除路德教籍，判处路德有罪，然而开会时，诸侯的反对和路德本人在被审讯时的强硬态度，不得不放路德离去，然后萨克森选侯以拦劫绑架方式把他送进瓦特堡加以保护，后来新教运动发展越来越猛。

换而言之，天主教会势力已经衰落，所以拿路德没有办法，这与在文艺复兴时期，而欧洲新贵阶层的兴起，正在积极尝试从教会控制中脱离不无关系。

而文艺复兴时期也正好是这样的一个过渡时期，不甘于受限的这种潜意识，在艺术领域便流露了出来。

这种意识流露很简单：越是不能做什么，那么就越要想办法做什么。

在天主教会的背景下，在中世纪文学作品里，只有圣母玛利亚才有温柔、慈悲、宽厚的这些特性，而夏娃（天主教中也译为厄娃），则是悖逆了上帝的象征，所以在通常的作品里，都将把妇女描写成夏娃---当时的夏娃并非是值得尊敬的人类之母的概念，恰恰相反，夏娃代表着万恶之母。

换而言之，涉及女性的题材作品，在主流意识中，除了维纳斯、达芙妮这类女神可以表现女性美的一面外，其它如果涉及女性作品，主流意识基本上是不允许以美为主题。

比如，使用古希腊神话中的达娜厄，达娜厄本来是国王的女儿，因为被预言生子的孩子会杀掉国王，所以国王将她禁闭起来，而宙斯路过了，一阵金雨洒在她身上，让她怀孕了。

这个题材可以说是特例，但归根到底还是有神学背景，因为达娜厄的神话是中世纪基督教“处女怀胎”传说的雏形，因为基督教认为，圣母玛利亚为处女，却能身怀圣子，同样用来被解释成因神的意志而怀孕的纯洁女性。

又比如，在文艺复兴常见的《死神与少女》这种借用古希腊神话带有告诫意味的主题，是允许使用的，然而这种主题里通常是同时绘制三个不同年龄时期的女性，有红颜白骨的意味。

在表达上，其实艺术家还是纠结的。

提香的方法，是直接干脆把金雨画成钱币，利用半空中洒落大把金币的达娜厄和欢天喜地地用围裙去接金币的老女仆，暗指用钱交易的行为，其中有贪婪的含义，而另外一些画家，除在借鉴与创作同时，还会突出其它如“放荡”的含义，比如还会画上隐喻的狗。

提香的《达娜厄》

弗朗兹·斯托克《达娜厄》

阿特米谢·简特内斯基《达娜厄》

阿道夫·乌尔里克·沃特穆勒的《达娜厄》

实际上，大多数时候，其实可能画家们只是单纯地想画画妓女，以表现人体结构的美感，因为很多时候，人体模特就是高价请来的妓女。

如果理解了这个，就会理解西方艺术史上，除了古希腊外，为什么在文艺复兴之后，维纳斯也会成为美的符号象征-----因为在这段历史时期内，对女性美的一面，大多都只能通过维纳斯来展现。

不仅如此，天主教会的影响有多么深远，从近代的“断臂维纳斯”的事件可以看出。

1820年希腊爱琴海米洛岛的山洞里被发现的维纳斯的雕像时，实际上还有雕像一起的带铭文的台座和持苹果的手臂，但是在1821年，雕像被献给了法国后，法国专家宣称雕像在罗马时代即已失去手臂，然后命名为“断臂维纳斯”。

为什么会扔掉持苹果的手臂？这背后还是因为有天主教背景，因为持苹果的手臂，很容易让人联想到圣经中的夏娃与亚当，在蛇的引诱下，违反上帝的告诫而吃下了苹果的故事。

现在据在考古界已基本有了公论，根据希腊神话，维纳斯左手举着的是一只金苹果，所法国巴黎的卢浮宫本身也表示，复原考证是已经有了的，只是如果复原后便会失去这种“残缺的美感”，所以不作修复。

当初法国之所以会那么不客观，是因为传统主义天主教会正好在1820年至1830年控制了法国的国家政府。

中世纪的猎杀女巫运动，大量女性被以各种方式残忍的迫害，并且通常情况下只是毫无道德感的暴力宣泄，也来源于中世纪的天主教会压抑与限制。

大概缺乏了足够的精神空间让思想自由时，往往它就会以另一种形式表达出来。

所以对于中世纪长期被思想禁锢的欧洲人来说，这也带有进一步的精神解放的意味，与天主教会原来的禁欲主义针锋相对。

值得注意的是，巴洛克有祼体相关的绘画作品，虽然对于大部分世俗百姓还是很难接受的，甚至伤风败俗，但是对已经习惯了放荡的艺术家与奢糜生活的贵族们来说，这些祼露的人体艺术确实不算什么。

顺便说一下，巴洛克的珠宝与绘画艺术风格是有区别的，其重要点在于，首先要构成的主要元素是否够大，并且通常在主要元素上有大量复杂小元素配合，使得主要元素显得更加在繁复而昂贵的背景下更加突显，并且主要元素一定要是夺目的宝石，通常一眼望去非常炫丽。

简单来说，就是大量复杂的小元素背景加上传说中的不亮瞎人眼不罢休的风格。

匈牙利国家博物馆收藏，17世纪，巴洛克珠宝

十六至十七世纪的巴洛克珠宝

巴洛克发展后期，进入了另外一种流行，欧洲新贵族的翻身，天主教会控制力被进一步削弱，并且在艺术审美上受到东方（主要是中国）的影响，产生了洛可可风格。

洛可可风格主要起源于法国，内容范围非常广泛，另外伴随大量的祼体艺术也不再局限于神学，是对上流社会的享乐主义的反映。

华多的《发舟西地岛》

像这幅画，题材是取自当时的一个歌剧，描写一群贵族男女，梦寐以求地幻想有一个无忧无虑的爱情乐园。

布歇的《帕蓬杜夫人》

在谈凡尔赛宫风水时，提到过路易十五的情妇帕蓬杜夫人，而洛可可风格的流行，很大程度上与帕蓬杜夫人喜欢有关。

如果与之前的巴洛克风格比较，很显然绘画风格进入了更加追求“精巧”的一面，这也只是洛可可风格的特色所在，并以此来体现“优雅”。

从服装上的风格变化，能够更加直观地体现。

巴洛克风格

洛可可风格

简单来说，最直观地直接看袖子，宽大的袍状袖口多半是巴洛克，而收缩的袖口则是洛可可。

那么，现代影视里的加勒比海盗服装是什么风格？(请无视杰克船长的camp烟熏眼）

显然它是设定成从巴洛克过渡到洛可可风格的混合风格，并不符合历史，但是有历史的影子。

路易十四到路易十五时期，法国都是欧洲强国，所以自然也成文化中心之一，但是路易十四晚年，签订的《乌得勒支和约》，虽保住了大陆强国地位，但海上势力被大大削弱了。

这让法国人民很失望，路易十四原本的伟大形象与超高民气在晚年也丧失，人民不再把国王比作太阳，“路易大帝”的称号更从此消失在法国人的言论与记忆中，当然法国当时还是很有钱的。

整个巴洛克到洛可可形式的变化，实际上就是伴随着路易家族走上末落的投影。

巴洛克中如果说充满了野性与激情，很多时候有通过黑色背景“突显”光辉的意味，而到洛可可风格就是奢华的颓废，画面华丽精美，色彩轻浮明艳，甜得发腻的风格。

相应的，从洛可可时期的首饰上也可以看出，不再有“突现”的意味，而是由大量细密的元素构成一个整体，采用整体突出的曲线，整体一致是它的特征。

建筑上就分辨巴洛克与洛可可形式，区分并不难，外部极为宏伟的就是巴洛克，外部简朴，内部极其华丽的就是洛可可，两者都有的，通常是混合型。

举例来说，洛可可风格的教堂：

18世纪的巴伐利亚阿桑教堂外部

18世纪的巴伐利亚阿桑教堂内部混合一些哥特风

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